Hermeto Pascoal - Missa dos Escravos. 1977

Estudiaba en el Conservatorio, hace unos varios años ya, cuando llega a mis manos una cassette con música muy extraña para mí en ese tiempo.
Sin rótulo alguno, descubro después de indagar entre amigos que se trataba de un músico brasileño llamado Hermeto Pascoal.
Debí escucharlo unas cien veces recuerdo para entenderlo y para, casi como un vicio, descubrir cada vez nuevas sonoridades.
Se venía como una avalancha los sonidos del Brasil, el jazz, pero el free, lo docto, lo contemporáneo o Avant garde, la improvisación, los efectos sonoros, los cerdos cantando, mucho ritmo, cantos agónicos, casi como una acción de hechiceros brasileros tratando de embrujarme con sus voces, y sus constantes ir y venir en melodías y armonías sin fin.
Escucharlo de noche, tranquilo era casi un rito, de día sonaba poderoso, en los encuentros con amigos músicos era indispensable y una joya, sobre todo después de unos cuantos cigarros…
Se destacaba la flauta y el piano, luego supe que el mismo Pascoal los tocaba, al igual que el saxo y las voces tipo scat.
Que manera de tener el sentido del ritmo en todo lo que ejecuta, esa sensación galopante que te toma y no te va a soltar jamás…así siento el primer track.
El segundo que lleva el nombre del disco, es una “sensible” melodía introducida en guitarra acústica y unos cerdos.
El chorinho, ritmo típico del Brasil, es un constante sube y baja melódico con virtuosas escalas.
Flauta sola con el efecto del soplido-hablado, voces de fondo en portugués e inglés, con efectos de audio que nos rememora un Cannon muy sui generis.
¿Quieres escuchar un piano? ¿Y en free jazz?, pon el track 5. Pascoal lo dice todo en 7 minutos…después de un rato olvidas que es sólo un piano…si casi es una orquesta…
Un vals muy en onda bossa con un trombón cantante, tal vez lo más “tradicional” es el track 6.
El remate no podía ser menos, todos los elementos juntos para casi 12 minutos de música.

Y de los músicos que acompañan a Pascoal en este disco, ni hablar, cada uno se merece una reseña.

Missa dos Escravos

Tracks:
01 - Tacho
02 - Missa dos Escravos
03 - Chorinho Pra Ele
04 - Cannon (Dedicado à Cannonball Adderley)
05 - Escuta Meu Piano
06 - Aquela Valsa
07 - Geleia De Cereja


Músicos:
Hermeto Pascoal : Saxo soprano, Flauta, Piano, Teclado, Violão, Voces
Raul de Souza : Trombón
David Amaro : Guitarra
Ron Carter : Bajo

Invitados:
Alphonso Johnson : Bajo (track01)
Airto Moreira : Bateria, Percusión, efectos con Cerdos (track02)
Chester Thompson : Bateria (track01)
Flora Purim : Voz (track 02,04)
Hermeto Pascoal,Hugo Fattoruso,Raul de Souza,Laudir de Oliveira,Airto Moreira : Voces (track04 )

De la vida de Hermeto Pascoal hay bastante en la red, este hombre nacido en 1936 aún deleita al mundo con presentaciones en vivo, y sigue tan prolífico desde la época que grabara con Mile Davis, y que con justa razón lo han llevado a ser admirado por muchos músicos como Corea, y orquestas clásicas como las filarmónicas de Berlín, de Brasil o Brooklyn quienes han sido embrujados por este hechicero de los sonidos.

Led Zeppelin - How The West Was Won - 2003

¿Habrá alguien que NO conozca a Led Zeppelin?

Algunos más, otros menos. Pero con Led Zeppelin me pasa algo extraño,“me parecen geniales, pero nunca los escucho”, aunque “nunca”, sería una exageración, porque cada cierto tiempo a lo lejos caigo en las redes de Page, Plant y compañía y vuelvo a vibrar con esta mítica banda.


Ahora los re-descubrí con un disco que tenía guardado en mi estante sin volver a tocarlo desde su compra, el cual decidí “respaldarlo” a mi computadora, “How The West Was Won”.
Es que nunca he sido muy amigo de esos discos post banda, post muerte de algún integrante, o de esas recopilaciones hechas con el fin de hacer comercio, pero este álbum me dice que hay excepciones a las reglas. Además es oficialmente el último del catálogo, el número 11.
Recoge parte de las actuaciones del 25 de Junio de 1972 en el foro de Los Angeles (L.A. Forum), y dos días después, el 27, en el Long Beach Arena de California, en los Estados Unidos. Publicado en marzo del 2003 y dicen con un DVD que no conozco.
Jimmy Page al re-descubrir estas grabaciones dijo: "Este es Led Zeppelin en su mejor momento, y es una ilustración de "Cómo el Oeste ha sido ganado" refiriéndose a la ubicación de estos conciertos en los Estados Unidos.
Y pienso como John Paul Jones, quien dice que "las estrellas estaban alineadas".
El setlist abarca canciones de sus 4 primeros discos, mas anticipando canciones del siguiente: "Houses Of The Holy".

Clic and play in Winamp, y con mi conexión a mi “Hi Fi” me llega el primer estruendo, casi como una patada en el vientre, me retuerce las tripas sentir el power de “Immigrant Song”. Mi primera impresión:
Una banda rockera o metalera haciendo tributo a Zeppelin.
Es que se supone que conozco en demasía a Bonham, si crecí escuchando sus tarros, me tocaba el “Escalera al cielo” igualito, pero nunca lo había escuchado con un power similar y con un beat cuadrado, marcando el 2 y el 4 con la caja como nunca, saliéndose de sus límites, tratando de ir hacia un lugar o un tiempo no musical, buscando algo que tal vez sentía que lo llevaría a ser reconocido inmortal.
La máquina demoledora no para con “Heartbreaker” y como rompe…
Los siguientes temas no decaen en interpretación, sobrepasando incluso según mi gusto y opinión las versiones de estudio, sobretodo en las versiones largas de Dazed And Confused, Whole Lotta Love, y el solo de batería Moby Dick.

Qué más decir, o tal vez tanto más que no habría espacio ni paciencia suficiente para entender en este momento mi ansia de compartir con ustedes esta experiencia, estas ganas de subir el volumen y descubrir lo que creí ya descubierto hace tantos años.
Si no conoces a Zeppelin, sin lugar a dudas debes comprar este triple álbum y dejarte llevar por este poderoso sonido clásico rockero. Si ya lo conoces, y no tienes este álbum, corre, adquiérelo, no te vas a arrepentir, y así como yo, te re-encantarás. Y si lo tienes, te felicito, porque encontraste antes que yo un tesoro y entiendo por qué no querías compartirlo, dan ganas de ser uno sólo…Zeppelin y yo.



Disco uno
1. "L.A. Drone" (John Paul Jones/Jimmy Page) – 0:14*
2. "Immigrant Song" (Page/Robert Plant) – 3:42*
3. "Heartbreaker" (John Bonham/Jones/Page/Plant) – 7:25*
4. "Black Dog" (Jones/Page/Plant) – 5:41**
5. "Over the Hills and Far Away" (Page/Plant) – 5:08**
6. "Since I've Been Loving You" (Jones/Page/Plant) – 8:02*
7. "Stairway to Heaven" (Page/Plant) – 9:38*
8. "Going to California" (Page/Plant) – 5:37*
9. "That's the Way" (Page/Plant) – 5:54**
10. "Bron-Yr-Aur Stomp" (Jones/Page/Plant) – 4:55*

Disco dos
1. "Dazed and Confused" (Jake Holmes/Page) – 25:25**
2. "Walter's Walk" (Page/Plant)
3. "The Crunge" (Bonham/Jones/Page/Plant)
4. "What Is and What Should Never Be" (Page/Plant) – 4:41*
5. "Dancing Days" (Page/Plant) – 3:42*
6. "Moby Dick" (Bonham/Jones/Page) – 19:20**

Disco tres
1. "Whole Lotta Love" Medley (Bonham/Willie Dixon/Jones/Page/Plant) – 23:08**
2. "Boogie Chillun" (John Lee Hooker) – 3:10
3. "Let's Have a Party" (Jessie Mae Robinson) – 1:56
4. "Hello Mary Lou" (Gene Pitney) – 2:08
5. "Going Down Slow" (St. Louis Jimmy Oden) – 8:29
6. "Rock and Roll" (Bonham/Jones/Page/Plant) – 3:56*
7. "The Ocean" (Bonham/Jones/Page/Plant) – 4:21**
8. "Bring It On Home" (Dixon/Page/Plant) – 9:30**
9. "Bring It On Back" (Bonham/Jones/Page/Plant)

Duración 2:30:10

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Ekseption. Video

Ekseption es una banda holandesa que llegó a ser muy conocida a fines de los '60 y principios de los '70. Su estilo consistía en versionar famosas piezas clásicas en tiempo de rock y agregarles una buena dosis de jazz, sin arreglos demasiado complejos ni mucha innovación, pero aprovechando la enorme belleza de las composiciones de los grandes músicos de siglos pasados. Quiero compartir con ustedes un video de una presentación en el Clásico y famoso programa de los 70’s el Beat Club, un tema de 3 y medio minutos, improvisando sobre el tema “Vuelo del moscardón” de Rimsky-Korsakov, de excelente resolución de imagen y sonido. Un documento de la historia del Prog.

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The Enid - In The Region Of The Summer Stars

The Enid es sin lugar a dudas “el” ejemplo de Rock Sinfónico, Progresivo Sinfónico, donde las creaciones musicales nacen y viven en torno al lenguaje musical docto, ese lenguaje que se aprende con maestros y en aulas de conservatorios, que es el caso de su líder y cerebro, Robert John Godfrey, teclista y arreglador musical.
Más que los experimentos, bien logrados por cierto, de Moody Blues o de Deep Purple con Orquestas Sinfónicas, o los “covers” de Ekseption o los mismos “The Nice” incursionando en sonidos doctos, los integrantes de The Enid toman la herencia docta y logran una creación colectiva de rock sinfónico original.
Su historia como banda es compleja y de alguna forma marcada por situaciones delicadas vividas por algunos de sus integrantes, como Godfrey, quien ha debido soportar por largos años una diabetes y por lo mismo largos períodos depresivos.

El disco debut de esta Banda se titula In The Region Of The Summer Stars.
En no más de 40 minutos de música son capaces de exponer siete temas musicales que en su totalidad dan la sensación de UNA obra completa.
Cada track, cada composición, toma prestado algún motivo musical, frase o giro melódico de grandes maestros doctos de la música. Por ejemplo “The Fool……The Falling Tower”, recrea en piano acústico señales de B. Bartók.
“Death, The Reaper”, como su nombre lo sugiere nos muestra el lado “oscuro” de Enid, y una guitarra distorsionada que se mezcla perfectamente con lo orquestal.
“The Lovers” nos muestra un estilo pianístico de Godfrey que recuerda y evoca a Rachmaninov.
“The Devil”, rockero desde el comienzo sin dejar la unión con lo docto.
“The Sun” abre con un solo de trompeta como anunciando justamente la aparición del astro rey, para dar comienzo a una simple y bella melodía, arpegios, y colores orquestales magnánimos.
“The Last Judgment” nos recuerda a Ravel y su famoso bolero, ritmos penetrantes sumados a delicadas líneas melódicas de las maderas en un eterno “crescendo”.
El último track “In The Region Of Summer Stars” y que da el nombre al disco, evoca a Mahler y su sinfonía Nº 2. Con batería pareja desde un comienzo no olvida los pasajes melódicos del piano y la guitarra eléctrica.

Track Listings
Tracklist (Vinyl):
1. The Fool……The Falling Tower (6:16)
2. Death, The Reaper (3:59)
3. The Lovers (5:17)
4. The Devil (4:14)
5. The Sun (4:39)
6. The Last Judgement (8:12)
7. In The Region Of The Summer Stars (6:19)

Line-up/Musicians
- Robert John Godfrey / keyboards
- Stephen Stewart / guitars, bass
- Francis Lickerish / guitars
- Glen Tollet / bass
- Dave Storey (Robbie Dobson credited instead) (on original album only) / drums and percussion
- Chris North (on re-recorded version only) / drums and percussion
- Piano solo on "The Lovers" by RJG
- Dave Hancock / trumpet solo on "The Sun" and bridge passage between "The Judgement" and "In The Region"

On re-release:
- Neil Michell / solo trumpet on "Fool", "Pre-Dawn" and "The Flood"

Si quieren conocer a esta banda, les recomiendo comenzar por este su primer trabajo. Su extensa discografía hasta hoy sigue entregando un sonido peculiar y original reconocido por los expertos y melómanos como una de las grandes y valiosas agrupaciones del mundo progresivo, que sin haber entrado el mundo del marketing, han logrado permanecer como el referente más importante para mi gusto de la expresión del Rock Sinfónico.

Visiten su página Web para leer un poco más de ellos y poder escuchar algunos tracks de diversos discos.
http://www.theenid.com/

National Health - Missing Pieces

Agrupación británica ligada al “sonido Canterburiano”, nace en 1973 con la idea fija de sus primeros integrantes de formar una “gran orquesta rock”. De esta forma y solo en 1975, 9 músicos comienzan a ensayar y preparar sus primeras composiciones, sin otro afán que de crear e interpretar.
Pero los altos y bajos, los cambios de personal, los trabajos paralelos y todo eso que no ayuda a un trabajo normal y constante en una banda de rock, la idea de la gran orquesta, desaparece, transformándose solo en un “cuarteto”, logrando producir solamente tres discos: "National Health", "Of Queues and Cures" y "D.S. al Coda, este último en el año 1982.
No habrá más producciones, y la banda desaparece de la escena.

En 1990 se presenta al mercado un compilado de sus tres discos llamado “Complete”. En el 2001 aparece el disco “Playtime”, una recopilación de presentaciones en vivo desde 1979.
Antes en 1996 aparece un “archivo sonoro” llamado “Missing Pieces”, un disco que presenta material inédito y grabaciones que no vieron la luz como disco, un excelente documento que nos muestra sus trabajos pre-National Health, es decir los ensayos y composiciones de lo que sería la “gran orquesta”.

Track List:

1. Bourée
2. Paracelsus
3. Clocks And Clouds
4. Agrippa
5. The Lethargy Shuffle & The Mind-Your-Backs Tango
6. Zabaglione
7. Lethargy Shuffle Part 2
8. Croquette For Electronic Beating Group
9. Phlakaton
10. The Towplane & The Glider
11. Starlight On Seaweed
12. Walking The Dog (Extract)

Personnel:

Dave Stewart - keyboards
Barbara Gaskin - vocals
Alan Gowen - keyboards
Phil Miller - guitars
Steve Hillage - guitars
Phil Lee - guitars
John Greaves - bass & vocal
Mont Campbell - bass
Pip Pyle - drums
Bill Bruford - drums
Amanda Parsons - vocals (3,6)


En ésta etapa sobresale de manera particular la capacidad creadora de Mont Campbell, quien compuso parte de lo mejor del material como "Paracelsus', una combinación excelente de armonías y fuerte predominio de los solistas de la banda y "Agrippa" de excelentes percusiones. Stewart y Gowen no se quedaron atrás y produjeron "Clocks And Clouds", composición del primero, una balada al estilo Canterburry en palabras de Stewart y "The Towplane And The Glider" en donde Gowen mostró su carácter improvisatorio. Cabe hacer mención que el papel de Bruford en sus participaciones llevó siempre su sello distintivo, el de uno de los mejores percusionistas del movimiento progresivo.

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Alan White

Para muchos, hablar de Alan White es hablar de Yes, y por favor no confundirlo con el baterista del mismo nombre de otro grupo inglés que no me merece atención en este Blog.
White, como baterista de sesión, ha trabajado con muchos ensambles, bandas y proyectos musicales. Por mencionar sólo algunos:
Fue miembro de la The Plastic Ono Band,la banda de John Lennon con quién además graba el famoso disco Imagine.
Grabó con George Harrison en su álbum All Things Must Pass, y otros tracks como My sweet Lord. El álbum Don't Hold Back de Sky. Con Rick Wakeman en The Six Wives Of Henry VIII. Con Steve Howe en Beginnings y The Steve Howe Album. Con Squire y el proyecto Esquire. Con Trevor Rabin, Wetton - Manzanera, Manfred Mann, Donovan, Joe Cocker, Gary Wright, etc.

Nace en Pelton, Co. Durham, norte de INglaterra el 14 de Junio de 1949. Tempranamente comienza con el piano, derivando luego a la batería, instrumento que lo llevaría a ser considerado hoy como uno de los grandes del DrumWorldRock.

In 1975/6, los miembros de Yes crean su "solo albums". Y White, en vez de registrar un álbum a solas, emprende un trabajo con un grupo de personas, y amigos, con los cuales ya había trabajado en diversos proyectos, o se asesora con personas como David Bedford quien ya había experimentado trabajos musicales como Director Orquestal y arreglador con Mike Oldfield.

Ramshackled (1976)

Track List:

01 Ooooh Baby (Goin' To Pieces) (Kirtley)

02 One Way Rag (Craddock/Gibson)

03 Avakak (Instrumental) (Gibson/Craddock/Kirtley)

04 Spring - Song Of Innocence (lyrics: William Blake; music: Kirtley)

05 Giddy (Craddock/Gibson)

06 Silly Woman (Kirtley)

07 Marching Into A Bottle (Instrumental) (Craddock)

08 Everybody (Gibson/Craddock/Kirtley)

09 Darkness (Parts I, II & III) (Craddock/Gibson)

Band members

Alan White: Drums, percussion
Peter Kirtley: Guitars, vocals
Colin Gibson: Bass, percussion
Kenny Craddock: Keyboards, vocals
Alan Marshall: Vocals
Bud Beadle: Solo sax, flute
Andy Phillips: Steel drum
Steve Gregory: Added tenor sax, flute
Henry Lowther: Trumpet
Madeleine Bell: Backing vocals
Joanne Williams: Backing vocals
Vicky Brown: Backing vocals

Mountain Fjord Limited arranged and conducted by David Bedford

Additional musicians
Jon Anderson: vocals (4)
Steve Howe: guitar (4)

Produced and engineered by Alan White and Bob Potter

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Styx - "Styx II"

Recuerdo haber conocido a esta banda por sus hits ochentenos. La radio entonces era mi fiel compañera y ayudaba a conocer lo que entonces la red aún no nos daba.
Las vueltas de la vida me llevó a conocer a un señor “coleccionista de vinilos”, quién me regala en una “cassette” un compilado de temas rockeros, la mayoría con tendencias a la batería, mi instrumento musical. Fue de esta manera que escuché por primera vez “Suite Madame Blue”. Este tema pertenece a Styx y es de su álbum “Equinox” de 1975.
Mi sorpresa fue mayúscula, primero por escuchar esta hermosa composición y luego por descubrir que los intérpretes era esta banda norteamericana dueña de esos hits radiales como “Mr. Roboto” o “Too Much Time On My Hands”.
Me propuse entonces indagar en sus inicios, y pude encontrar a una banda muy rockera con sublimes composiciones, con cercanías al mundo progresivo, con excelentes intérpretes sobre todo en lo vocal.
Los inicios de Styx tienen sus raíces en una banda del Chicago de finales de los 60´s, los “Tradewinds”. En el ocaso de la década de los 70, la banda había cambiado su nombre a "TW4”. Poco después, la banda cambia su nombre a Styx; en alusión al río que según la mitología griega, llevaba los muertos al más allá.
En los inicios de la carrera de esta banda, se evidencia la influencia de bandas de rock progresivo como Emmerson, Lake and Palmer y The Moody Blues. Pero evolucionan a crear un estilo propio con el paso de los años.

El comienzo de esta banda tuvo un ritmo bastante encabritado, después de su disco debut “Styx” en 1972, sacaron discos cada año; “Styx II” en 1973, “The Serpent is Rising” en 1974 y “Man of Miracles” en 1975. Además de presentarse continuamente en escenarios a lo largo y ancho de los Estados Unidos lo que les permitió fundar una base de seguidores bastante leales, algunos de ellos han seguido su carrera hasta hoy.

La canción “Lady” del disco “Styx II” fue el piquete hacia el éxito de la banda, en 1974, el sencillo empezó a tener gran acogida en las estaciones de radio alrededor del país, atrajo la atención de miles de adolescentes que se sintieron inspirados por las letras esperanzadoras y llenas de optimismo presentes e la canción y que resultaron ser una bocanada de aire fresco para la juventud tras la tensión que la guerra de Vietnam había dejado en la sociedad estadounidense.

Una banda que ya cumple 30 años en escena, aunque no exentos de problemas, apariciones y desapariciones de miembros, y un ir y venir por estilos dentro de la corriente del Rock.

Les recomiendo dentro de su amplia discografía, primero, escuchar la canción “Suite Madame Blue”, una hermosa composición casi como su título lo dice, en forma de suite.
Pero si quieren intentar con un disco completo, rescato “Styx II” de 1973, tal vez el álbum por el cual se les considera creadores de una nueva corriente rockera, pero a mi gusto, el con más raíces progresivas, situación que lleva a confusiones en distintos portales y biografías en la red a catalogarlos en diversos sub-géneros del Rock.
Un disco “mixto” que no deja de lado la posibilidad de un hit comercial como “Lady”, pero con otros temas trabajados sin importar un formato como “A Day” o "Father O.S.A.", el cual comienza con una Fuga en un órgano eclesiástico, para dar a paso a una composición rica en cortes musicales y timbres de teclados y de intenciones sinfónicas muy bien logradas, con juego de voces en las dos guitarras y de un “coro” liderados por De Young en su mejor época según mi opinión.

Track listing:

"You Need Love" (DeYoung) – 3:44
"Lady" (DeYoung) – 2:56
"A Day" (Curulewski) – 8:19
"You Better Ask" (Curulewski) – 3:54
"Little Fugue in "G"" (J.S. Bach) – 1:17
"Father O.S.A." (DeYoung) – 7:08
"Earl of Roseland" (DeYoung) – 4:39
"I'm Gonna Make You Feel It" (DeYoung) – 2:23

Members:
John Curulewski - guitar, arp synthesizer, autoharp and vocals
Dennis DeYoung - organ, pipe organ, arp synthesizer, piano, keyboards and vocals
Chuck Panozzo - bass
John Panozzo - drums, percussion and vocals
James Young - guitar and vocals

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Beggar's Opera - Act One

The Beggar's Opera (La ópera del mendigo o La ópera del vagabundo) es una ópera de baladas, en un prólogo y tres actos. El libreto es de John Gay y la música probablemente es un arreglo de Johann Christoph Pepusch (la obertura, basada en dos de las canciones del Acto II está compuesta por él, así que se asume que los arreglos de las arias los hizo él, aunque no hay ninguna evidencia de que esto sea cierto). Se estrenó en el Lincolm's Inn Field de Londres el 29 de enero de 1728.
De esta “novela” de Gay toman estos músicos el nombre para esta banda escocesa, y por ende el nombre de su primer álbum, “Act One”, parece ser también un recurso extraído de la obra original de tres actos.< No todas las bandas progresivas, incluso las que finalmente fueron coronadas como los reyes del progresivo, se atrevieron a comenzar con arreglos complejos de compositores clásicos.
BEGGAR'S OPERA fueron lo suficientemente atrevidos para hacerlo. Sus interpretaciones de Poet And Peasant y Light Cavalry por Franz Von SUPPÉ, así como Raymonds Road (que se acreditó equivocadamente según lo escrito enteramente a BEGGARS OPERA, pero que de hecho es un arreglo de la Marcha Turca de MOZART), merecen estar paradas de lado a lado con "Pictures at an Exhibition" (ELP) y de los arreglos de WAKEMAN a la Rapsodia Húngara de Franz LISZT. Por favor noten que "Pictures…" había sido lanzada dos años y "Lisztomania" cinco años más adelante… Por supuesto, "Ars Longa Vita Brevis" (The NICE) apareció antes, pero "Act One" es, sin duda, una obra maestra del prog

Act One de 1970
Track List:

1. Poet and Peasant - 7:11
2. Passacaglia - 7:04
3. Memory - 3:56
4. Raymond's Road - 11:49
5. Light Cavalry - 11:55

Bonus Tracks

6. Sarabande - 3:32
7. Think - 4:25


Band:

Ricky Gardiner - Guitar
Alan Park - Keyboards
Marshall Erskine - Bass, Flute
Martin Griffiths - Vocals
Raymond Wilson - Drums, Percussion

De este álbum no participó quien sería luego tecladista (Mellotron), Vocals, la fémina Virginia Scott


curiosidades:
¿Conocen el tema Macarthur Park cantado por Donna Summer? Que por cierto no es de ella si no de un compositor norteamericano de apellido Harris…pues bien de esta banda de su disco Pathfinder hay un excelente cover..

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Flaming Youth - Ark 2

A veces si vas un poco más allá del artista, de la persona o del músico, comienzas a tejer la red que te muestra lo interesante, rico y a veces complejo que ha sido el correr de la historia del Rock. Casi como una gran familia, los actores de esta gran escena musical que vivimos hoy, se mezclan entre sí y sus raíces han dado la base para poder apreciar lo que hoy disfrutamos.
Y de vez en cuando nos encontramos con pequeñas piezas que ayudan a entender más aún el ir y venir de la historia del Rock. Algo que me apasiona hoy es justamente hurgar en el pasado y tratar de saber cómo, dónde y quienes hacían historia, y que extraño, en el colegio era muy malo para este ramo.




¿Qué hacía Phill Collins antes de ser baterista de Genesis? Bueno no mucho, ya que era un casi adolescente, pero con 18 años ya pertenecía a una agrupación que se atrevía a registrar sus creaciones musicales en acetato.

Flaming Youth, era el nombre de la banda que cobijaba los primeros impulsos musicales de este joven músico.
Una banda catalogada como “an obscure British rock group“, graban su único LP en 1969 titulado “Ark 2”.
Un disco influenciado por la atención mediática de esa época en relación al tema de la “Era Espacial”, un álbum conceptual basado en una idea de posible evacuación de los habitantes de un casi muerto Planeta Tierra.
Un disco que trata de encontrar una propuesta musical, pero parece que tanto la crítica como la gente en general no entendió, o simplemente no se conectaron con este sonido, mezcla de psicodelia, con algo de acid-folk y sonidos sinfónicos. Sin lugar a dudas un “experimento” tan osado como creer que en esa época el hombre podía llegar a la Luna.
Hoy sólo queda el recuerdo de ser el primer trabajo de Collins pre-Genesis, y creo haber leído que él reconocía como su peor momento musical, aunque ahora que lo pienso, no estoy seguro de comprender entonces a Collins, ya que si bien es cierto no es una gran obra maestra, este disco lo encuentro mucho más real o natural o “sincero” que mucha de su actual música.
Experimenten amigos y escuchen este disco. Estoy seguro que al menos podrán reconocer que como “ejemplo” auditivo de casi 40 años atrás, merece al menos un reconocimiento por el resultado obtenido.

Tracks

1. Guide Me Orion
2. Earthglow
3. Weightless
4. The Planets (Mars - Bringer of War, Venus - Bringer of Peace, Mercury - The Winged Messenger, Jupiter -- Bringer of Jollity, Saturn -- Bringer of Old Age, Uranus -- The Magician, Neptune -- The Mystic)
5. Changes
6. Pulsar
7. Space Child
8. In the Light of Love
9. From Now On (Immortal Invisible)
10. Man, Woman and Child (bonus track)
11. Drifting (bonus track)

Member List:

(Flash) Gordon Smith guitar, 12 string, bass guitar, vocal
Ronnie Caryl bass guitar, 12 string, vocal
Brian Chatton organ, piano, vocal
Phil Collins drums, percussion, vocals

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MOGUL THRASH

¿Has escuchado a John Wetton solear en su bajo?
¿Lo has escuchado haciendo algo más cercano al Jazz-Prog?
¿Sabías que entre tantos proyectos musicales este músico se juntó a comienzo de los 70’s con James Litherland? Y quién era Litherland? Bueno guitarrista y vocalista de Colosseum, quién dejaba recién a su banda. Y Wetton mostraba sus dotes que luego (dos años más tarde) los mostraría también con King Crimson. Juntos y con la producción del gran pianista y tecladista, el músico Brian Auger. ¿No lo conoces a Auger? Bueno debes. Entre otros trabajó como tecladista con Zeppelín, Hendrix, Rod Stewart, Tony Williams, Eric Burdon (en los 90’s), y la Jullie Driscol, con quién formó el proyecto The Trinity.
Bueno, les contaba de Wetton y compañía quienes formaron este proyecto musical que diera a luz un solo disco homónimo, Mogul Thrash en 1971

El disco en si recuerda pasajes sonoros obviamente de Colosseum, pero creo más cercanos al rock. Es el caso del tema Elegy.
Los instrumentos de viento le dan un toque cercano también a lo que hicieran Blood, Sweat & Tears, al menos eso me parece en el tema Going North, Going best, donde la guitarra y el bajo solean en contrapunto mientras los vientos y la batería afirman todo este torrente de virtuosismo.
Obviamente Wetton nos deleita además con su voz, no tan protagónica como en Crimson o en sus trabajos posteriores.


Track Listings
1. Something Sad (7:32)
2. Elegy (9:37)
3. Dreams Of Glass And Sand (5:07)
4. Going North, Going West (12:00)
5. St. Peter (3:39)
6. What's This I Hear (7:17)
Bonus Track:
7. Sleeping In The Kitchen (2:45)

Total Time: 47:57



Line-up/Musicians
- James Litherland / guitars and vocals
- John Wetton / bass and vocals
- Bill Harrisson / drums
- Malcolm Duncan / Tenor saxophone
- Michael Rosen / trumpet, Mellophone and guitar
- Roger Ball / Alto, Baritone and soprano saxes

With:
- Brian Auger / piano (5)

Bueno amigos, este disco deben tenerlo en vuestra biblioteca musical. Única producción de Mogul Trash, una gran banda que lamentablemente tuvo su debut y despedida discográfica en este disco.

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Ford Theatre - Trilogy For The Masses

Una agrupación de fines de los 60's que tiene a su haber sólo dos discos.

Y que extrañamente no es muy conocida y difundida, de hecho, existe muy poco material a cerca de ellos. Y digo extrañamente ya que poseen un sonido a mi gusto que es muy familiar a la época y que nada debe de envidiar a ciertas bandas épicas de esos años.

El disco que reseño se llama Trilogy For The Masses y es de 1967, y el primer tema posee un comienzo al estilo balada rock con una melodía que fácilmente te la aprendes, doblada por un violín y acariciada en las teclas por un Hammond y una segunda voz y hermosa armonía de una guitarra. Abruptamente se corta este ensueño para darnos unos "buenos días" y decir : Escuchen, además cantamos y tenemos power". Después vuelve el comienzo del tema, es decir esa simple y hermosa melodía inicial y a todo esto ya han pasado más de 15 minutos de música.
Personalmente me agradan y cada cierto tiempo recurro a ellos por su simpleza pero su singular sonido con raices psicodélicas pero con una base progresiva que se hubiese materializado si estos tipos hubiesen seguido en la senda. No se más de ellos, por eso es que les cito el siguiente texto en inglés:

Ford Theatre made a couple of psychedelic albums for ABC in the late '60s that were average period pieces, but respectable on that modest level. In their use of winding minor-key melodies, hard rock guitar-organ interplay, extended guitar soloing, and earnest, ambitious lyrics, they were similar to other Boston psychedelic bands of the time, but more authentic. They were not one of the bands gathered up and promoted as part of the Bosstown Sound hype, for one thing.

Ford Theatre evolved out of the Boston band the Joyful Noise, and were signed by Bob Thiele of ABC Records after Thiele had been contacted on their behalf by a DJ at Boston's WBZ. Thiele produced Ford Theatre's first album, Trilogy for the Masses, which was centered around two lengthy multi-sectioned pieces, "101 Harrison Street (Who to Belong To)" and "From a Back Door Window (The Search)." Their second and final album, Time Changes, was constructed around more conventionally-timed pieces, and was an early production by Bill Szymczyk, who went on to produce the Eagles. Ford Theatre guitarist Harry Palmer is the uncle of underground cult musician R. Stevie Moore.

–Richie Unterberger

El Track list original que no coincide con la cantidad del CD que reseño, ya que se editó en 5 cortes, pero unidos, creo así le da más coherencia.

01. Theme For The Masses (2:52)
02. 101 Harrison Street (Who You Belong To) (9:22)
03. Excerpt (from the Theme) (1:09)
04. Back To Philadelphia* (4:11)
05. The Race (:26)
06. The Race (:04)
07. From A Back Door Window (The Search) (14:02)
08. Theme For The Masses (2:59)
09. Postlude: Looking Back (2:09)

Personnel:
HARRY PALMER songs, guitar
JAMES ALTIERI bass, vcl
JOHN MAZZARELLI keyboards, vcls
ROBERT TAMAGNI drums, vcls
ARTHUR 'BUTCH' WEBSTER lead guitar

Journey - Look into The Future

Journey, banda norteamericana formada en 1973 en San Francisco, California.

Una banda que ha sufrido varios cambios con el correr del tiempo.
Pero sin lugar a dudas, para mi, su comienzo en la escena musical dejó un precedente que le permitió mostrar una de las mejores propuestas de Hard Rock de mediados de los 70’s.
Nada que ver con lo que sería la banda y sus hits de los 80’s más adelante.

Su segundo disco “Look into The Future” la reafirma como una banda de Hard revelando un sonido con tintes progresivos heredados de su primer álbum homónimo (de 1975), el cual los mostraba como una agrupación de Rock Progresivo con elementos de Jazz.
Gregg Rolie, organista y miembro co-fundador de Santana, decide formar este proyecto paralelo dada las diferencias constantes con Carlos Santana.
Luego se le sumaría Neil Schon, joven guitarrista que también de temprana edad ya había trabajado con Santana.
El bajista Ross Valory, quién después de Journey se le conocería trabajando junto a Steve Millar Band.
Aynsley Dunbar, baterista de Inglaterra, que tiene un nutriente expediente después de su trabajo con Journey con músicos y bandas como John Mayall, Frank Zappa, Lou Reed, Jefferson Starship, Jeff Beck, David Bowie, Whitesnake, Sammy Hagar, UFO.

Esta es la agrupación que interpretaría y grabaría este disco Look into The Future en 1976.

Interesante trabajo donde destaco el tema que lleva el nombre del Álbum, que es una extraordinaria balada de hard de más de 8 minutos de duración.
Además el track "I'm Gonna Leave You", más tarde sería la melodía del famoso riff de guitarra que inmortalizara el grupo Kansas en la canción "Carry on Wayward Son".

Track listing

1. "On A Saturday Night"
2. "It's All Too Much"
3. "Anyway"
4. "She Makes Me (Feel Alright)"
5. "You're On Your Own"
6. "Look Into The Future"
7. "Midnight Dreamer"
8. "I'm Gonna Leave You"

Kansas - Leftoverture

Kansas, con una música de muchas facetas y muchos estados de ánimo, se formó en 1972 en la ciudad de Topeka, Kansas, Estados Unidos y fue descubierto por el productor Don Kirschner.
Desde sus orígenes la banda ha buscado expresarse de una forma original y ofrecer "música que la banda sentía y que debía ser escuchada y apreciada".
Tal fue el caso en su disco debut "Kansas", de 1974, que sentó las bases para una interpretación propia de un rock progresivo muy de boga a principios de los 70.
Fue hasta el año de 1976 con el disco "Leftoverture" que la banda vió su popularidad crecer a niveles inimaginables.

Leftoverture. 1976

Extraño para mi saber que este disco fue el que impulsó a Kansas por el camino del éxito comercial. Disco de oro y de platino por las cantidades vendidas.

El mismo tema de apertura, “Carry On Wayward Son”, se hizo bastante popular en las emisoras radiales, y aun hoy en día es considerado un clásico progresivo. Sí, leyeron bien progresivo. Aunque siempre se ha especulado y hablado de este trabajo y de esta banda si merece este calificativo de progresivo.
Mi opinión es que al menos este disco si lo es en su totalidad, si no escuchen el último track que es realmente una “Obra Magna”.
Sin ser un gran fanático de ellos me atrevo a decir que además Kansas tuvo la “suerte” de hacerse popular en el mercado discográfico. Y esto debido al formato canción creo que solían entregar al mercado, pero sin duda que este disco tenía en “Carry On” una obra con “gancho” hacia el progresivo.
De este tema nace el famoso riff de guitarra que emularan bandas como Dream Theater. Aunque la melodía original de este riff, como les conté en otro review viene del álbum Look into The Future de Journey, del track "I'm Gonna Leave You".

Cito algo muy interesante de César Inca Mendoza de Manticornio:

Este disco es mucho más que “Carry On”... El tema que viene a continuación, “The Wall”, es una hermosa balada sinfónica de temática introspectiva, basada en un motivo melódico de inspiración bachiana.
Por su parte, “Opus Insert” exhibe una actitud más extrovertida, que nos puede recordar a Yes. Son tres los temas más extensos, y por tanto, los que guardan espacio para una mayor variedad de ideas musicales. 'Miracles out of Nowhere' reincide en la onda introspectiva -atención a su interludio, todo un prodigio en el manejo de contrapuntos melódicos. 'Cheyenne Anthem' concentra su lírica en el problema de la opresión y marginación de los americanos nativos: en sus casi siete minutos de duración se suceden pasajes acústicos, barrocos, un rondó, y una coda de tono orquestal. Por último, la estupenda suite de ocho partes 'Magnum Opus', casi íntegramente instrumental, permite a KANSAS sacar lo mejor de sí con unos increíbles niveles conjugados de grandilocuencia, extravagancia, energía y diversidad. Aquí encontramos una perfecta amalgama de psicodelia, sinfonismo, rock duro, pasajes disonantes, cortinas de órgano y sintetizadores, una amalgama preparada para reventar el cerebro del oyente y dejarlo perplejo: cada una de las ocho secciones mantiene su propia personalidad, pero predomina una visión de conjunto muy bien articulada.

La cuota de temas deliberadamente pegadizos la ponen 'What’s on My Mind' y 'Questions of My Childhood', en clave de rock y cajun-country, respectivamente. No son temas particularmente notables, pero tiene sus atractivos y están bien armados: atención al lucimiento del violinista en el segundo de estos temas mencionados.

Cierro cita.



Track Listing:

1. Carry On Wayward Son 5.22
2. The Wall 4.47
3. What´s On My Mind 3.27
4. Miracles Out Of Nowhere 6.25
5. Opus Insert 4.25
6. Questions Of My Childhood 6.36
7. Cheyenne Anthem 6.52
8. Magnum Opus 8.24
a. Father Padilla Meets the Perfect Gnat
b. Howling at the Moon
c. Man Overboard
d. Industry on Parade
e. Release the Beavers
f. Gnat Attack

All songs arranged by Kansas

Credits:

Phil Ehart - drums, all percussion
Dave Hope - bass guitar
Kerry Livgren - guitar, piano, clavinet, Moog, Oberheim, and ARP synthesizers
Robby Steinhardt - violin, violas, lead and background vocals
Steve Walsh - organ, piano, vibes, lead and background vocals, synthesizer
Rich Williams - acoustic and electric guitars
Toye La Rocca, Cheryl Norman - children's voices (7)
Bill (Bleu) Evans - engineer
Tom Drennon - art direction
Wayne Whittier - photos
Dave McMacken - illustration

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