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08 diciembre 2006

MANFRED MANN'S EARTH BAND - Solar Fire




El grupo MANFRED MANN, que tomó su nombre de su líder y tecladista, parecía estar bien ubicado en la línea de salida de la explosión beat británica después de que '5-4-3-2-1' se convirtiera en la sintonía de Ready Steady Go!, programa pionero sobre listas de éxitos en la TV del Reino Unido. Sus mayores éxitos de ese año, 1964, 'Doo wah diddy diddy' y 'Sha la la', habían sido grabados por los EXCITERS y las SHIRELLES, respectivamente. Tras ciertas convulsiones en la formación (el vocalista y armónica Paul JONES abandonó siendo sustituido por Mike D'ABO y Jack BRUCE ocupó brevemente el puesto de bajo) fue el gran 'The mighty Quinn' el que por fin les mereció un número uno en el Reino Unido en 1968. Manfred (el hombre) volvió al ataque con el rock progresivo de su nuevo grupo, MANFRED MANN'S EARTH BAND, que se hizo famoso una vez más con una versión, esta vez del histórico 'Blinded by the light' de Bruce SPRINGSTEEN.

Este es otro de esos grupos que no hacen rock progresivo (al menos no en el estricto sentido de la palabra), pero debido a su calidad musical y tendencia principal, es bueno mencionar y considerar.




MANFRED MANN'S EARTH BAND (MMEB) es un proyecto en el que hay un líder, un genio creativo, y “la banda” son músicos que están ahí para interpretar la creatividad de un compositor principalmente. Uno en quien Manfred se ha apoyado consiguiendo grandes temas es Bruce SPRINGSTEEN por ejemplo. MMEB también es un grupo en el que a pesar de la fabricación de éxitos (no olvidemos que se trata de un grupo de tendencia popular), un manejo progresivo en los teclados y un soporte de importancia en la guitarra, le dan a su sonido una estética cercana al género progresivo, por lo que resulta interesante para quienes disfrutamos de este estilo.

Un gran disco de este grupo es "Solar Fire", bastante recomendable para incursionar en lo que esta banda hace. En una línea muy cercana al progresivo, 1974 para abajo.




Track listing

1. Father of day, father of night (9:53)
2. Solar fire (5:14)
3. In the beginning, darkness (5:19)
4. Joybringer (3:23)
5. Saturn, lord of the ring - Mercury, the winged messenger (6:30)
6. Earth, the circle (3:48)
7. Pluto the dog (2:45)

Total Time: 36:52

Line-up
- Manfred Mann / organ, synthesizers, vocals - Colin Pattenden / bass - Mick Rogers / lead vocals, guitar - Chris Slade / drums + Doreen Chanter / backing vocals - Irene Chanter / backing vocals - The Grove Singers / backing vocals - Peter Miles / percussion (2) - Paul Rutheford / trombone


Solar Fire es un álbum que consta de 7 temas de una duración algo mas larga que la típica en la época (entre 3' a 9') donde destaca los solos de teclados y guitarra y la voz muy expresiva de Mick Rogers que canta muy bien rodeado de bastantes estribillos pegadizos.
Pero lo que más destaca son las teclas interpretadas por el propio Manfred "Mann", que manera de tocar el Mellotron (que raro que en los créditos no lo mencione), el Hammond y el mini-moog.
Comentar por último referente a los músicos que a la batería estaba Chris Slade que años mas tarde sería batería de AC/DC en el álbum "The razor's edge".
Destaca también por ser el mas progresivo el quinto tema totalmente instrumental llamado "Saturn Lord of the Ring / Mercury, the Winged Messenger" con pasajes de teclados extraños y misteriosos y con buenos toques de guitarra y un final muy rockero. La suite "Earth the Circle 1 y 2 tiene un sonido muy proto-rock a lo Spring o Cressida, destacando el gran solo que se marca Mr. Manfred al Hammond y donde en el ultimo tema vuelve a sonar el mellotron. La parte 1 de esta suite tiene toques orientales en forma de cuento con un final algo jazzy. También destaca el tercer tema "In the Beginning Darkness", un buen instrumental progresivo, ya por ultimo mencionar la versión que realizan del "Father of Day, Father of Night" de Bob Dylan en plan Procol Harum y con una demostración por parte de Manfred del buen saber tocar el Mellotron y el mini-moog.
En la reedición del álbum se encuentran dos temas, la edición single de "Father of Day, Father of Night" de Bob Dylan donde se decía que
"Joybringer" era una versión de "los Planetas" de Gustaf Holst, de la cual había escuchado que recibieron autorización directamente de la hija de Gustav Holst para interpretarla, y aparentemente todo el álbum "Solar Fire" tiene que ver con esta suite".


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09 octubre 2006

Nick Mason



Nicholas Berkeley "Nick" Mason (nacido el 27 de enero de 1944 en Birmingham, Inglaterra) es el baterista del grupo de Rock progresivo, Pink Floyd.
Cuando Nick Mason estudiaba en Regent Street Polytechnic formó junto con Roger Waters, Bob Klose y Richard Wright en 1964 la banda Sigma 6, que posteriormente se convirtió en Pink Floyd. Desde entonces ha permanecido hasta la fecha en el grupo y aunque es quien tiene menos créditos en la composición de las canciones de Pink Floyd, curiosamente es el único miembro que ha aparecido en todos los discos del grupo.







Ha trabajado también a través de su compañía Ten Tenths, como baterista y productor con músicos como Steve Hillage y Robert Wyatt, baterista con Michael Mantler y productor con The Damned. Mason gusta de coleccionar automóviles clásicos e incluso ha competido como piloto de carreras.






Trabajo en solitario

Paralelamente a su trabajo junto a Pink Floyd, Mason a colaborado como batería y productor para otros músicos como Steve Hillage y Robert Wyatt, como batería para Michael Mantler y como productor para The Damned.

A su vez posee dos discos en solitario, el primero titulado 'Fictitious Sports' que apareció en 1981 y fue realizado en su practica totalidad por Carla Bley, y el segundo 'Profiles', disco eminentemente intrumental que produjo junto a Rick Fenn en 1985, en el cual David Gilmour aporta su voz en el tema 'Lie for a Lie'.

Fuera de la música, Nick publicó en el Reino Unido en Octubre del 2004 su libro, 'Inside Out: A Personal History of Pink Floyd' que recoge sus vicencias y experiencias personales junto a la banda.


Nick Mason's Fictitious Sports(Studio Album, 1981)


Track listing
1. Can't get my motor to start (3:35)
2. I was wrong (4:10)
3. Siam (4:46)
4. Hot river (5:11)
5. Boo to you too (3:24)
6. Do ya ? (4:29)
7. Wervin' (3:55)
8. I'm a mineralist (6:14)
Total Time: 35:51


Line-up
- Nick Mason / drums, percussion- Robert Wyatt / vocals- Karen Kraft / vocals- Chris Spedding / guitars- Carla Bley / keyboards- Gary Windo / tenor, bass clarinet, flute- Gary Valente / trombones- Mike Mantler / trumpets- Howard Johnson / tuba- Steve Swallow / bass- Terry Adams / piano, harmonica, clavinet- Gary Windo, Carlos Ward, D. Sharpe, Gary Valente, Vincent Chancey & Earl McIntyre / additional voices


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Roger Meddows-Taylor



Hablar de Roger Taylor es relacionarlo inmediatamente con Queen. Pero acá les presento parte de su trabajo en solitario.

Siempre me llamó la atención el apoyo vocal de Taylor en los conciertos de Queen, había canciones en que simplemante la voz de Mercury no reaccionaba, sobre todo en los agudos, y ahi estaba este baterista tras sus platillos con un micrófono listo para apoyar en esos momentos de "tensión musical".
Y no sólo de backing vocals era su participación, ya que más de una canción grabó en discos de Queen, recuerdo así el tema "Sheer Heart Attack ", de su autoría además.
Como baterista, siempre tuve mis dudas a cerca de su capacidad interpretativa, no posee una gran técnica ni virtuosidad en el instrumento, pero sinceramente se le reconoce como un pilar importante en la banda Queen, y de esos "indispensables" sin ser un súper instrumentista.



Parte de su biografía: (extracto de Wikipedia)


Roger Meddows-Taylor nació el 26 de julio de 1949 en Kings Lynn Norfolk, Reino Unido. Se trasladó a Truro a la edad de 8 años. En 1965 Roger se unió a su primera banda, llamada Johnny Quale and The Reaction. Cuando el vocalista Johnny Quale abandono el grupo, Roger pasó a ser el vocalista y el grupo comenzó a llamarse simplemente The Reaction, que duró hasta julio de 1968. Ese mismo año decidió que quería convertirse en dentista, por lo que se trasladó al London Hospital Medical School de Londres. Posteriormente abandonó la carrera para estudiar biología en el North London Polytechnic. Ese mismo año 1968 audicionó para Tim Staffell y Brian May, quienes buscaban un baterista al estilo Ginger Baker. Roger pasó la audición y se convirtió en baterista de Smile, banda que realizó varios conciertos hasta 1970, cuando Tim Staffell dejó el proyecto. Luego Freddie Mercury se unió a él y Brian May, naciendo Queen, y posteriormente en 1971 se les unió John Deacon.

No fue hasta 1977 que se embarcó en una carrera solitaria. Su primer single fue I Wanna Testify, el que fracasó en su intento por ser un impacto en el chart. Su siguiente aventura solista fue el álbum Fun in Space en 1981, el que escaló hasta el no 18 del chart inglés. El single de dicho álbum fue Future Management, el que llegó al no 49 del chart.




Su segundo álbum sería Strange Frontier, de 1984. En él aparecen ocho temas propios de Roger y dos covers, además de la participación especial de Freddie, y de Rick Parfitt, de Status Quo. El single Man On Fire sería su segunda entrada a los chart de singles, esta vez logrando solo el lugar 66.



En 1987 Roger decidió que su nuevo disco debía ser grabado "en vivo" en el estudio. Por lo cual se embarcó en la búsqueda de musicos para una nueva banda, y como resultado, esta nueva banda llamada The Cross grabó 3 álbumes entre 1988 y 1991, y realizó giras por Gran Bretaña y Alemania.





No sería hasta 1994 que grabaría un nuevo disco solista. Happiness? llegó al no 22 del chart y dio a Roger 3 singles en los top 30 del chart. El primer single, Nazis 1994 fue censurado por miedo a represalias de grupos neonazis, lo que no evitó que llegase al no 22. Posterior a esta realización, Roger hizó una gira por el Reino Unido, y en 1995 por Italia.



Ya en septiembre de 1998, luego de proyectos como el álbum póstumo de Queen, Made In Heaven, y la canción final del grupo, No-One But You, donde Roger es segundo vocalista, sale a la luz su último disco, titulado Electric Fire. De esta placa se editarían 2 singles, Pressure On y Surrender. Ni el álbum ni los singles tubieron impacto alguno en los charts. Roger realizó una nueva gira promocional por el Reino Unido, incluido un concierto transmitido por internet desde su casa en Surrey, el que rompió el record para un concierto en-línea.


Desde entonces Roger a trabajado junto a Brian May en multiples proyectos de Queen, y dando ocasionalmente presentaciones solistas.






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08 octubre 2006

Patrick Moraz




El suizo Patrick Moraz nació el 24 de junio de 1948 en Morges. Moraz pasó su juventud estudiando música en finos colegios europeos al mismo tiempo que cursaba clásicos estudios de latín y griego antiguo.
En 1963, Moraz obtuvo un premio al mejor solista en el Jazz Festival de Zurich gracias a su brillante forma técnica de tocar piano. Como resultado de esta distinción, rápidamente, Moraz comenzó a abrir con su piano las distintas veladas para los mejores artistas de jazz que pasaban por Suiza. A fines de los '60, Moraz comienza a realizar giras por toda Europa y en 1965 viaja por primera vez a América. Entre 1966 y 1967, Patrick llego a tocar en diversos locales en Africa y el Medio Oriente.

Luego de su éxito como solista, Moraz forma un grupo llamado Mainhorse con Jean Restori en 1968.


Este grupo realizó un album en Polydor antes de que Moraz se mudara a Londres para comenzar a tocar en un nuevo grupo llamado Refugee, con (2 ex The Nice) Lee Jackson y Brian Davidson.



Esta experiencia no duró mucho, ya que luego Moraz los abandona cuando le llega la oportunidad de su vida en un nuevo y muy afamado grupo. Es asi, que en Agosto de 1974 los miembros de Yes lo llaman para ofrecerle el puesto dejado vacante por Rick Wakeman y Moraz acepta la propuesta. El resultado de esta unión sería el celebrado e impresionante disco "Relayer" editado a fin de año.




Después de las extenuantes giras que siguieron al lanzamiento de "Relayer", Yes decide tomarse un respiro como grupo, para que sus integrantes realicen trabajos como solistas. El proyecto solista de Moraz llamado "Story of I" (1976) incluyó la colaboracion de 16 percusionistas brasileños que se sumaron a la clásica formación de bajo, guitarra y bateria, editando una producción que sería, sin dudas, el trabajo más famoso del suizo fuera de su labor con Yes. Atlantic se encargó de la distribución mundial del album, que llego a ser visto casi como la autobiografía musical de Moraz causando mucha admiración.



Tracklist:
1. Impact — 3:31
2. Warmer Hands — 3:31
3. The Storm — 0:52
4. Cachaca (Baiao) — 4:07
5. Intermezzo — 2:49
6. Indoors — 3:44
7. Best Years of Our Lives — 3:57
8. Descent — 1:43
9. Incantation (Procession) — 1:51
10. Dancing Now — 4:38
11. Impressions — The Dream
(2:49
12. Like a Child in Disguise — 4:05
13. Rise and Fall — 5:34
14. Symphony in the Space — 2:56

total time 46:1


Patrick Moraz, keyboards, vocals, marimbaphone, percussion; John McBurnie, vocals; Vivienne McAuliffe, vocals; Ray Gomez, guitars; Jeff Berlin, bass; Alphonse Mouzon, drums; Andy Newmark, drums; Auguste de Anthony, guitars; Jean Ristori, cello, string bass; Jean-Luc Bourgeois, percussion; Phillipe Staehli, percussion; Rene Moraz, percussion; Veronique Mueller, vocals; with The Children of Morat, Switzerland, vocals; The Percussionists of Rio de Janeiro, percussion





Luego de salir de Yes, Moraz edita "Out in the Sun" (1977), como un intento de seguir explorando la musica brasileña.


Track Listing:
1. Out in the Sun (4:27)
2. Rana Batucada (5:33)
3. Nervous Breakdown (3:23)
4. Silver Screen (4:32)
5. Tentacles (3:32)
6. Kabala (4:57)
7. Love-Hate-Sun-Rain-You (4:51)
8. Time for Change (9:06)
i) Time To Fly
ii) Big Bands of Ancient Temples
iii) Serenade
iv) Back To Nature

Total Time: 40:21

Line-up
- Patrick Moraz / polymoog, Oberheim Polyphonic, minimoogs, vocals, piano, synthesizers, Vibrotronic Bubbletron, Taurus bass pedals, voice box, Steinway grand piano, Fender Rhodes, ARPS, Polyphonic polymoog, Hammond C3 organ, vibraphone, tambourine, Fender Rhodes 88, AKS effects, clavinet, Overheim polyphonc 4 voice and 8 voices, double moog, ARP 2600 & pro-soloists, Micromoog bass sequencer, digital sequencers, voices, birds, orchestrations
- Ray Gomez / mando guitar 8 strings, lead guitar, electric guitar
- Wornell Jones / bass, electric bass
- Vivienne McAuliffe / harmony vocals, vocals
- John McBurnie / lead vocals, harmony vocals
- Andy Newmark / drums
- Jean-Luc Bourgeois / Chinese gongs, Balian gongs
- "Chacal" / congas, assorted Brasilian percussion
- Isla Eckinger / acoustic double bass
+ The Percussionists of Rio de Janeiro / percussion
- "Professeur" Jean Ristori / Gibson electric bass, engineer, cover photographs and inner bag
- Philippe Staehli / tympanis, Indian finger cymbals
- "Testa" / pandeiro, assorted Brasilian percussion
- Francois Zmirou / lead vocals (7)

Luego de este disco Los Moody Blues lo invitan para participar del siguiente "world tour" del grupo.
Después de la gira, Moraz ayuda a la banda a grabar "Long Distance Voyager", un disco muy exitoso para la banda. Mientras se queda como miembro estable de Los Moody Blues, Moraz continúa grabando albums solistas. Algunos de ellos fueron "Future Memories I" (1979) y "Future Memories II" (1982), los cuales (debido a su caracter revolucionario) fueron elegidos para representar a Suiza en El Montreux Golden Rose Festival. En 1991, Moraz decide dejar a Los Moody Blues y continuar su labor como solista.


Patrick's Discography

Solo Albums :

1976 - Story Of I
1977 - Out In The Sun
1978 - Patrick Moraz III
1979 - Future Memories Live On TV
1980 - Coexistence
1984 - Timecode
1984 - Future Memories II
1985 - Future Memories I & II
1987 - Human Interface
1989 - Libertate (originally released as Coexistence/all rights given to "Terre des Hommes", a Charity Organization based in Geneva, to help the Children or newly liberated Rumania in 1989)
1994 - Windows Of Time
1995 - PM in Princeton (CD & video)
2000 - Resonance
2003 - ESP


Mainhorse:

1972 - Mainhorse


Refugee:

1974 - Refugee


Yes:

About 10+ different releases amongst which:
1974 - Relayer
1979 - Yesshows (2 songs)
1991 - YesYears (3 songs)
1992 - Yesstory (1 song)
1993 - Highlights, The Very Best of Yes (1 song)
2001 - Yes "In a Word" (Compilation)


The Moody Blues:

About 30+ different releases (and re-releases) amongst which :
1981 - Long Distance Voyager
1983 - The Present
1985 - Voices In The Sky - Best of the Moody Blues
1986 - The Other Side Of Life
1988 - Sur La Mer
1989 - Story of the Moody Blues... Legend of a Band
1991 - Keys of the Kingdom


With Bill Bruford:

1983 - Music For Piano and Drums
1985 - Moraz / Bruford: Flags


Special Guest Appearances:

1975 - Steve Howe: Beginnings (3 songs as performer and the title piece "Beginnings" as arranger/orchestrator and Conductor)
1975 - Chris Squire: Fish Out Of Water
1979 - Steve Howe: The Steve Howe Album (on 1 song)
1982 - Kiki Dee: Perfect Timing
1986 - Bill Bruford: Master Strokes: 1978-1985 (on 2 songs)
1989 - Kazumi Watanabe: Kilowatt, w/Wayne Shorter, Bunny Brunel, etc.
1992 - Paul Howards: Paul Howards

01 octubre 2006

REFUGEE / Refugee. 1974




Los integrantes de The NICE, (Lee JACKSON a cargo del bajo y las vocales, Brian DAVISON en batería y percusiones), y Patrick MORAZ (ver al final artículo de él) en los teclados.
Progresivo sinfónico en toda su expresión, con un grupo formado por dos británicos y un suizo que impuso su exactitud en el mecanismo de componer, llevando a la gloria a un proyecto de un sólo disco.

Es una lástima que no hayan hecho más discos, aunque cabe mencionar que de hacerlo, tal vez no sería tan buen documento como el que ahora existe.


REFUGEE realizó un solo disco homónimo en 1974. Uno que refleja de mejor manera la esencia del progresivo sinfónico que hiciera the NICE. Desde que inicia el disco, se puede notar el poder interpretativo de Patrick MORAZ, así como su genio en la improvisación. Los temas son en general largos y afortunadamente para los "criticos" de la voz de Lee, sin mucho canto. Claro, no es un gran cantante, pero me recuerda esas voces "destempladas" con un aire italiano e incluso en el tema Grand Canyon Suite unas inflecciones que evocan a P. Gabriel, guardando las proporciones por supuesto.
Se trata de un disco más enfocado a la creatividad de MORAZ, en donde casi todo el trabajo de composición estuvo a su cargo, logrando uno de los mejores discos en la escena progresiva.

Temas:

Papillon
Someday
Grand Canyon
Ritt Mickley
Credo



Patrick Moraz se hizo de buena fama cuando ocupó el lugar de WAKEMAN en el súper disco "Relayer" de YES.
El trabajo en los teclados de Patrick es extraordinario. Como solista le imprime mucha personalidad a su estilo, y como parte de un grupo se adapta tan bien a las necesidades del mismo, que es uno de los músicos más cotizados en en el género progresivo: ha tabajado con YES, con MOODY BLUES, con REFUGEE, con BRUFORD, y en cada una de las distintas alineaciones se ha sabido manejar con mucha determinación. Músico de mucha calidad, creativo, innovador, adaptable y de muy buena interpretación. Muy limpio y muy exacto.
Interesante también es la formación que le dió vida a Main Horse, que espero pronto mostrarles sus discos.


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23 septiembre 2006

White Willow - Ignis Fatuus (1995, The Laser's Edge)




Ya mis connotados amigos del prog. Aquí les dejo una Banda Noruega de exquisito gusto, una voz femina que por momentos nos recuerda a Curved Air o Renaissance, pero que Sara Trondeal acá nos da una lección de voz melódica. Es una banda que no conocía y recién la estoy escuchando y quiero compartirla con ustedes. Una agrupación que ha sabido hacer su trabajo sin preocuparse de lo mediático y ha logrado ya ser reconocida por su aporte musical.

A continuación un comentario "prestado" de manticornio:

Ya con cuatro álbumes en el mercado: "Ignis Fatuus" (1995), "Ex Tenebris" (1998), "Sacrament" (2000) y "Storm Season" (2004), WHITE WILLOW ha sabido ganarse un lugar entre los gustos por el prog sinfónico, gracias a su técnica y melancólica manera de hacer su música, donde elementos de folclor escandinavo y despliegues tipo metal gótico parecen predominar. A pesar de sus constantes cambios en su alineación, WHITE WILLOW (antes THE ORCHID GARDEN) ha sabido sacar ventaja de los cambios en su personal. El grupo ha confesado que una alineación poco estable es su debilidad, sin embargo se han ido ganando la reputación de ser un grupo dominante en el surgimiento del progresivo sinfónico escandinavo. Y aunque por su álbum debutante fueron criticados como una banda retro progresiva, las ideas musicales que han traído nuevos miembros han logrado hacer que el grupo evolucione hacia sonidos más originales y representativos, enfatizando sobre todo la parte vocal y melódica.

Track listing:

1. Snowfall (6:30)
2. Lord Of Night (7:13)
3. Song (2:03)
4. Ingenting (3:14)
5. The Withering Of The Boughts (7:16)
6. Lines On An Autumnal Evening (4:52)
7. Now In These Fairy Lands (5:28)
8. Piletreet (1:47)
9. Till He Arrives (3:30)
10. Cryptomenysis (11:37)
11. Signs (2:04)
12. John Dee's Lament (11:00)

Total Time: 66:34

Line-up - Jan Tariq Rahman / keyboards, recorders, crumhorn, kantele, sitar, bass pedals, bass, vocals, devices - Tirill Mohn / violins, classical guitar - Audun Kjus / flutes, whistles, pipes, bodhran, vocals - Sara Trondeal / vocals - Eldrid Johansen / vocals - Jacob C. Holm-Lupo / guitars - Alexander Engebretsen / bass - The Drummer / drums and percussion


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The 3 Ages of Magick





Llegué a este album por el maestro Howe, buscando sus trabajos en solitario y en cooperación con otros músicos.
Y encontré The 3 Ages of Magick, un disco "sorpresa" para mí. Primero, porque debo reconocer mi ignorancia del legado Wakeman, claro uno a veces piensa que entrar en la vida íntima de los personajes de la música progresiva es como invadir terrenos personales y no encuentras lo que buscas en relación a una conección con algún material musical, pero lamento no haberme adentrado más en Rick Wakeman y encontrar que su heredero Oliver ya llevaba una carrera como importante tecladista, esto independiente del gran peso que ha significado para él me imagino, la herencia de su padre, maestro de maestros.
Oliver WAKEMAN tal vez sea más conocido por sus proyectos conceptuales bajo la concepción NOLAN & WAKEMAN. La unión de dos grandes talentos en los teclados: Clive NOLAN quien viene de una larga tradición neo progresiva (PENDRAGON, ARENA, CASINO, SHADOWLAND)pero también es nombrado por crecer a la sombra del legendario Rick, su padre.

Una reseña de Oliver Wakeman:

Hijo de Rick WAKEMAN, uno de los mejores tecladistas del género, Oliver no niega su procedencia, siendo uno de los virtuosos del momento. Quizá se le conozca más por sus trabajos "opera rock" al lado de Clive NOLAN, sin embargo como solista ha demostrado que heredó lo mejor de su padre y poco a poco ha ido perfeccionando una técnica propia para sobresalir y brillar con luz propia, lejos de la sombra de su apellido.
Hasta el año 2005 ha trabajado en distintos conceptos de música para acompañar poemas y de relajación, participado al lado de NOLAN en dos proyectos (actualmente trabajando en el tercero) y grabado cuatro discos como solista: "Heaven’s Isle", "The 3 Ages of Magick" (con Steve HOWE en las guitarras), "Purification by Sound" y "Mother's Ruin".
Un músico que de seguir el camino iniciado, compartirá la fama con los grandes detrás de los teclados.

Como solista, Oliver ha grabado dos discos que si bien buscan definirse aparte de la pesada responsabilidad que hereda en su apellido, también reúnen lo más característico de lo que ha hecho su padre: su primer disco más enfocado al new age y el segundo, con el legendario estilo en los teclados pero con la grandiosidad de la técnica actual

El Álbum:

Para hacer este álbum, Oliver escribe que durante muchos años le han fascinado las historias de mitos y leyendas (uno de sus discos favoritos debe ser el "Myths & Legends of King Arthur" de su papá), tanto como lo inexplicable. “Enfoque en los misterios que no tienen explicación”, dice, y según describe, el nacimiento de esta idea llegó en 1997, justo después de haber terminado su primer álbum, "Heaven's Isle". Y para grabar esta segunda producción, contó con el apoyo del señor Steve HOWE, quien además de hacerse cargo de las guitarras, ayudó con la producción. Los otros músicos involucrados en este proyecto de gramática medieval, fueron Dave WAGSTAFFE (batería y percusiones), Tim BUCHANAN (bajos), Tony DIXON (uilleann pipes, flautas y silbatos) y Jo GREENLAND (violín).
"The 3 Ages of Magick" es un álbum que si no sabes que es de Oliver, podrías suponer que es una recopilación de Rick. En el álbum se derivan diferentes líneas clásicas de tratamientos incisivos en los teclados, escuela WAKEMAN, qué más. Es un disco de buena dimensión, que se escucha agradable, que tiene fuerza donde debe de tenerla y calma en la mayor parte de él.

Track Listing:

Ages Of Magick (5:48)
Mind Over Matter (4:02)
The Forgotten King (3:02)
The Storyteller (3:42)
The Whales Last Dance (4:30)
Time Between Times (5:03)
Flight Of The Condor (4:48)
Lurey And The Mermaid (3:02)
Standing Stones (4:31)
The Enchanter (6:04)
The Healer (4:18)
Through The Eyes Of A Child (2:13)
Ny Breasail (8:38)

Musicians:
Oliver Wakeman - keyboards, pianos, Hammond organ
Steve Howe - electric and acoustic guitars, steel guitar
Dave Wagstaffe - drums, percussion
Tim Buchanan - bass
Tony Dixon - uilleann pipes, whistles, fluteJo Greenland - violin

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16 septiembre 2006

John Entwistle




Un mito y ahora una leyenda.
"The Ox" dejó este mundo en junio del 2002, pero legó una música y un estilo de intrepretar el bajo que lo hará inmortal.
Considerado como un tipo reservado, así además se le veía en el escenario, descargaba toda su pasión en las cuatro cuerdas y así llamó la atención de fans y expertos que llegaron a considerarlo como uno de los bajistas más rápidos de digitación en los 70's.
Hablar de su música obviamente es hablar de la banda inglesa The Who, de la cual formó parte desde sus inicios hasta su muerte.
Pero este versátil músico, no dejó de lado su inquietud musical y así nos legó varias composiciones tanto con los Who como con proyectos paralelos.

A continuación un extracto de Wikipedia
:



John Alec Entwistle (9 de octubre, 1944 - 27 de junio, 2002) fue el bajista de The Who. Suele ser considerado uno de los más importantes de la historia del rock.

Nació en Chiswick, un suburbio de Londres, en 1944. Se unió a Roger Daltrey en una banda previa a The Who, The Detours, en los inicios de los años 60.

Algunas veces conocido como "The Ox" ("El Buey"), generalmente fue visto como la persona más tranquila de la banda.

Además de ser uno de los mejores y más famosos bajistas de la historia de la música rock, John Entwistle era un talentoso compositor. Escribió canciones como "Cousin Kevin", "My Wife", "Boris The Spider" y "Heaven And Hell". Estas canciones, además de sus trabajos solistas, mostraban un oscuro sentido del humor que no solía ser compatible con las composiciones de Pete Townshend, que solían ser más introspectivas. Aunque solía aportar sus composiciones en los álbumes de The Who, fue el primer miembro de la banda en editar un álbum solista (Smash Your Head Against The Wall, de 1971).

Entwistle también sabía tocar el corno francés y la trompeta, por lo que ocasionalmente aportaba partes de los mismos en canciones de The Who (en especial en el álbum Quadrophenia), y ocasionalmente aportaba su voz, no solo para cantar sus canciones sino para los coros.

Su estilo único permitió demostrar el potencial del bajo como instrumento principal (como en "My Generation"). Townshend lo consideraba el guitarrista principal del grupo.

Sus influencias incluyen a Duane Eddy y Gene Vincent, y a bajistas de soul y R&B como James Jamerson (otro bajista pionero), al igual que sus lecciones de corno francés, piano y trompeta. Entwistle suele ser aparecer en los primeros puestos de las listas de "Mejores bajistas" de diversas revistas especializadas; en el año 2000, los lectores de la revista Guitar lo declararon "Bassist of the Millennium" ("Bajista del Milenio").

Además de su trabajo con The Who, Entwistle era un destacado solista, realizando cierto número de álbumes en los años 70. Hacia el final de su carrera, formó The John Entwistle Band con su amigo de toda la vida, el baterista Steve Luongo. Godfrey Townsend (sin "h" y no relacionado a Pete) era el guitarrista y cantante principal del mismo. En 1996, la banda salió de con Alan St. Jon en teclados (la gira se llamó "Left for Dead"). Tras la gira "Quadrophenia", de The Who, la banda de Entwistle salió de gira nuevamente en 1998 (esta gira se llamó "Left for Dead - the Sequel"), con Gordon Cotten en teclados. Luego de la misma, la banda editó un álbum en vivo con los mejores momentos de las giras, llamado Left for Live.

En el año 2001 toco en el show "A Walk Down Abbey Road" (tributo a los Beatles), organizado por Alan Parsons y con la participiación de Ann Wilson de Heart, Todd Rundgren, y David Pack de Ambrosia, además de Godfrey Townsend en guitarra, Steve Luongo en batería, y John Beck en teclados. A fines del 2002 se editó una edición expandida (y doble) de Left for Live (llamada Left For Live Deluxe), con más performances de The John Entwistle Band.

Murió en Las Vegas en el 2002, en las vísperas del primer show de una gira de The Who por los Estados Unidos por un supuesto ataque al corazón. Los médicos determinaron que el ataque cardíaco podría haber sido causado por una cierta cantidad de cocaína: la droga podría haber causado que sus arterias coronarias se contrajeran. Entwistle, al igual que Townshend, luchó contra una adicción a la cocaína por gran parte de su vida. Fue reemplazado en The Who por Pino Palladino.




John Entwistle Band-Horror Rock







El Disco:
Smash Your Head Against The Wall



Track Listing

My Size
Pick Me Up (Big Chicken)
What Are We Doing Here?
What Kind Of People Are They?
Heaven And Hell
Ted End
You’re Mine
No. 29 (Eternal Youth)
I Believe In Everything


Bonus Tracks

Cinnamon Girl (Previously released out-take)


Credits:
Neil Innes (Percussion), Keith Moon (Percussion), Viv Stanshall (Percussion), Roy Baker (Engineer), Cyrano (Guitar (Acoustic)), Cyrano (Guitar), Cyrano (Guitar (Electric)), John Entwistle (Bass), John Entwistle (Trombone), John Entwistle (Trumpet), John Entwistle (Flugelhorn), John Entwistle (Guitar (Bass)), John Entwistle (Keyboards), John Entwistle (Vocals), John Entwistle (Producer), John Entwistle (Main Performer), Dave Layston (Guitar), Jerry Shirley (Drums), Bobby Pridden (Remastering), Janet Atkins (Design), Jud Cost (Liner Notes), Bob Irwin (Producer), Bob Irwin (Mastering), Graham Hughes (Design), Graham Hughes (Photography), Chris Welch (Liner Notes)


Enlace y pass en comentarios.

11 septiembre 2006

Ian Anderson Plays The Orchestral Jethro Tull




Personalmente nunca me conecté con el líder de la afamada banda inglesa Jethro Tull, a pesar de sus visitas como solista a nuestro país.
Pero llegó a mis manos el trabajo que a continuación les presento, y quedé encantado con el resultado.
El álbum se llama:
Ian Anderson Plays The Orchestral Jethro Tull


Algo del músico:



Ian Scott Anderson (nacido el 10 de agosto de 1947 en Dunfermline, Fife) es un cantante, compositor, flautista y guitarrista escocés, conocido por ser el líder de la banda de rock Jethro Tull
Como flautista, Anderson es autodidacto y su estilo fue inspirado por el también flautista Roland Kirk. Sobresalen sus solos en "My God" (Aqualung), Bursting Out y "Bouree" (Living in the Past). Además de la flauta, toca otros instrumentos (ha empleado, por ejemplo, el bajo en el álbum Stormwatch, de Jethro Tull). La lista de instrumentos que ha tocado con su banda es amplia: incluye flauta, guitarras acústicas y eléctricas, bajo, saxofón, órgano Hammond, batería, teclados, trombón, gaita escocesa, gran variedad de silbatos (flautines) y violín.
Como compositor, Anderson se caracteriza por sus (frecuentemente cínicas) canciones sobre Dios, el cristianismo, la Navidad y el solsticio de invierno, especialmente en los álbumes de su banda, Jethro Tull, Aqualung y The Jethro Tull Christmas Album.
Anderson es dueño de 43 granjas de salmones y de una isla, aunque vendió la mayor parte de sus intereses a fines de los años 1990. Como anécdota, Anderson nunca realizó la prueba de conducción para obtener su licencia.
Ha sobrevivido a una trombosis venosa profunda tras un vuelo de avión en precarias condiciones de espacio y ha hecho propaganda para que se tome conciencia sobre este tipo de trombosis, acaecidas por la excesiva explotación comercial de las líneas aéreas.

Un pequeño review del disco:



En el 2004, el líder de este último grupo, Ian Anderson, decidió presentarse en Alemania arreglando los temas más conocidos del repertorio de la banda adaptados para el acompañamiento de una orquesta.

En “Plays the orchestral Jethro Tull” , Anderson (voz, flauta traversa y guitarra acústica) repasa canciones como “Aqualung”, “Locomotive breath” y “Mother goose” junto a la Filarmónica de Frankfurt y además realiza lecturas de piezas de Johann Sebastian Bach y villancicos navideños. Un disco (también disponible en dvd) que principalmente emocionará a los más apasionados del género, aunque también es un buen comienzo para quienes quieran indagar en el rock progresivo a través de uno de sus más conocidos exponentes.



Un video de recuerdo en los inicios de Jethro Tull, dónde ya Anderson mostraba toda su característica performance con la flauta traversa.
Dato del video.
Lo edité del DVD de Circus de los Rolling. Original de 1968, pero re-editado en 1996


Jethro Tull




Links en los comentarios.

08 septiembre 2006

Steve Howe - Beginnings 1975




Para grabar su primer álbum solista, Steve HOWE (guitarras, bajo, voz, mandolina, arpicordio, moog, órgano, dobro, banjo, lavadero) se apoya en sus amigos Alan WHITE (batería en 1, 2, 4, 6), Graeme TAYLOR (guitarra en 3), Malcolm BENNETT (bajo en 3, flauta en 8), David OBERLE (batería en 3), Colin GIBSON (bajo en 4), Patrick MORAZ (piano en 4, gran piano y melotrón en 6), Bud BEADLE (barítono, saxofón alto en 4), Mick EVE (saxofón tenor en 4), algunos miembros de la Philomusica en 5, Chris LAURENCE (cuerdas dobles en 8) y de Bill BRUFORD (batería y percusiones en 9). Los miembro de la Philomusica que participaron en el tema 5 'Beginnings', un tema a la música de cámara, fueron Patrick HALLING en un violín, William REID en otro violín, John MEEK en la viola, Peter HALLING en el chelo, Chris LAURENCE en el bajo, James GREGORY en flauta y pícolo, Sidney SUTCLIFFE en el oboe y Gwyd BROOKE en el bassoon.

Son 39'51" que se pasan ligeros, a gusto, iniciando en un 'Doors of sleep' en el que se distinguen esencias de su anterior grupo, sobre todo por el soporte sólido en los ritmos y el juego vocal; aquí hay que mencionar que si bien se escucha una voz de HOWE como una pieza importante para los coros utilizados en YES, como solista es bastante peculiar. No es que sea muy desentonado, pero se nota que su fuerte es el instrumento y no la voz.
Para cuando llega 'Australia' uno ya se acostumbró a ese timbre peculiar y eso nos permite deleitarnos con un inicio suave que se balancea por el sentir romántico de Steve, y poco a poco se va adentrando en una escuela musical ya aprehendida desde "Fragile".
La música que hace Steve para este disco es de muchísima calidad. En este disco uno se puede dar cuenta de la precisión que tiene HOWE en los dedos y de la formación clásica que empapa de armonías bien pensadas, como en el homónimo 'Beginnings'. Pero sólo el tema central se escribe a la música de concierto; el resto de las composiciones con las que armó éste, su primer proyecto como solista y, desde mi muy personal punto de vista el mejor instrumentado de su carrera independiente, delata también su gusto por el ritmo folk o de campo y por los ritmos más amables, más audibles, podríamos decir.

Para conocer más de este guitarrista visita mi post anterior
acá


Encuentra el link en los comentarios.

03 septiembre 2006

Adrian Belew




Desde fines de los años sesenta del siglo XX la guitarra eléctrica se considera el instrumento básico del rock. Su sonido revolucionó parámetros y estableció un universo de comunicación visual y auditivo que se mantiene vigente. Su desarrollo ha estado determinado por músicos de gran reconocimiento popular, pero también por estrategas de alto relieve creativo que no cuentan con idéntico respaldo publicitario, más allá de cierta crítica especializada. El nombre de Adrian Belew quizás no le suene a quienes creen que todo el rock se reduce a los extremos: estadios abarrotados y ventas millonarias, o una imprecisa filosofía de lo subterráneo. Habría que aclarar que, desde Jimi Hendrix, no abundan guitarristas que hayan explotado el instrumento de la manera en que lo ha hecho este oriundo de Kentucky (diciembre de 1949). Hablo de un creador con más de 25 años de trayectoria artística, que sorprende por su capacidad para enrolarse en proyectos de apariencias diferentes. No hace distinciones a priori entre los tipos de músicas, sino que establece vasos comunicantes entre el pop comercial y el rock experimental, entre la acústica y la electrónica, entre el empleo normado de la guitarra y su reverso.


Su primer trabajo de relevancia lo hizo formando parte de la banda de Frank Zappa para el álbum Sheik yerbouti (1979), y acto seguido fue convocado, en rápida sucesión, por David Bowie y Talking Heads: lo más parecido a una entrada por la puerta ancha en los ámbitos musicales de ese período. Si Zappa lo acercó al minucioso rigor interpretativo, con el cantante inglés conoció los secretos de un pop que ensayaba fórmulas de reanimación, mientras la tropa de David Byrne enriqueció su lado lúdico y visceral. De todos modos, el gran salto vino en 1982 al integrar King Crimson, colectivo con el que ha permanecido en sus múltiples reformaciones desde entonces.


Sin desmeritar sus aportes a otros contextos, la labor de Belew en King Crimson reviste singular importancia. Suyo es ese refrescante toque melódico que contrasta con las opresivas atmósferas instrumentales de la banda, a la vez que inyecta dosis de humor en una música que parece regodearse en la claustrofobia. Con el líder Robert Fripp comparte las guitarras, y marca un estilo desarrollado hasta sus más radicales consecuencias en una discografía en constante regeneración. Se trata de guitarristas con personalidades diferentes, donde a Belew le toca subrayar, tal vez, el carácter menos férreo de la música. Tapices sonoros diseñados sobre patrones repetitivos, figuras melódicas complejas y una exhuberancia armónica, que aún reserva espacios para las intervenciones individuales, representan las claves principales en este binomio que se complementa a la perfección. Cada una de las permutaciones del colectivo (incluyendo los temporales ProjeKcts) ha derivado hacia terrenos nuevos, incentivando una búsqueda que toma la complejidad (musical, estética) por bandera. King Crimson es la plataforma donde Belew pone a punto algunas de sus ideas, sobre todo aquellas que exigen interpretar música con crecientes niveles de dificultad. Alternar con instrumentistas como Bill Bruford, Tony Levin, Pat Mastelotto y Trey Gunn le permite medirse en situaciones extremas, en las que, no obstante, sobresale ese rasgo melódico en piezas (“One time”, “Matte Kudasai”) donde su mano se torna notable.

Como autor de canciones tiene una deuda enorme con el mejor pop de los sesenta y en particular con los Beatles. “Walking on air”, “Everything” y “Big blue sun” muestran la decidida influencia que el cuarteto de Liverpool ha ejercido en su obra. Afirma que aprendió tomando como punto de partida ese legado en casi todos los aspectos de la creación musical, desde el proceso de composición hasta la manera de producir los discos. Como nota curiosa hay que apuntar que en su discografía personal aparecen versiones a temas de Beatles, además de estrenar en un concierto de King Crimson la pieza “Free as a bird” justo el día antes de que la famosa Antología de los Beatles saliera al mercado, usando como referente la versión original de Lennon cantando al piano, sin el texto añadido posteriormente por McCartney.

Si tuviera que señalar sus principales atributos como creador, citaría sus combinaciones de humor y rigor, la facilidad para abordar los materiales más extremos, la permanente búsqueda instrumental, su interés por involucrarse en aventuras de apariencia imposible como incentivo para la imaginación, su voz tan peculiar, y ese rejuego textual que conduce del sinsentido zoofílico presente en “Elephant talk”, a su tributo a las víctimas del 11 de septiembre en la canción “Asleep”, la crítica social de “The war in the Gulf between us”, o cuestionamientos de índole personal en “Dinosaur”. Su guitarra es frenética, apasionada, mutante, indisciplinada, sorpresiva, provocadora y dulce: todo a la vez. Le modifica la afinación, emplea distorsionadores, la conjuga con loops, la procesa con múltiples recursos, y también la utiliza en plan acústico, en esa desnudez que es sinónimo de belleza. Le extrae sonidos inauditos, evocadores de la naturaleza, sin renunciar a una vertiente “industrial”, inquietante y metálica (no precisamente Heavy). Conjuga esta fascinación con la curiosidad hacia otros instrumentos como el cello, el piano, los sintetizadores, la mandolina y el bajo eléctrico, aunque quizás sea la batería la que le ha permitido desdoblarse y sacar a flote su más temprana vocación. Haciendo duelos con Bruford, o como soporte rítmico en el ProjeKct Two, transmite una energía basada en ritmos macizos de acentos alocados, frenesí percutivo para improvisaciones de fuerte raíz rock.

Bajo su nombre ha publicado casi una veintena de discos, comenzando con Lone rhino (1982). Entre los más recomendables, aunque muy diferentes unos de otros en la mayoría de las ocasiones, mencionaría a Twang bar king (1983), Mr. Music Head (1989), el imprescindible Inner revolution (1992), Op zop too wah (que en 1996 marcó un primer esfuerzo de responsabilidad totalmente individual), The acoustic Adrian Belew (1993) y su continuación Belewprints (1998), y Side One (2005), a trío con el bajista Les Claypool (Primus) y el baterista Danny Carey (Tool). Sin embargo, una obra como Guitar as orchestra (1995) merece una explicación adicional. Grabada en su estudio casero, nos enfrenta a la pasmosa reproducción, desde la guitarra (como su título lo indica) de la sonoridad propia de una orquesta sinfónica, para un resultado que remite a partituras de la llamada “música contemporánea”. Hay piezas surgidas a partir de improvisaciones, otras llevaron modificaciones posteriores: todas destacan las posibilidades del sistema MIDI, mediante el cual escuchamos sonidos de cuerdas, maderas, metales, piano y hasta percusiones, interpretados con una guitarra eléctrica a través de la tecnología digital.

Con un amplio currículo como instrumentista y productor, se le asocia de preferencia con el rock progresivo y las músicas experimentales, pero participa también en sesiones para figuras alejadas de tales códigos como Cyndi Lauper, Tori Amos y Mariah Carey. Su nombre aparece en los créditos de discos de Joe Cocker, Jars Of Clay, Santa Sabina, Herbie Hancock, Jean Michel Jarre, Nine Inch Nails, Caifanes, Mike Oldfield, Paul Simon, Porcupine Tree y Laurie Anderson. Participa además en homenajes discográficos a Beatles, Badfingers, Hank Marvin y Nilsson, al tiempo que reconoce tener habilidad para producir materiales diferentes, y sentirse seguro por igual en las densas atmósferas crimsonianas y en las tonadas accesibles, en experimentos donde prima lo abstracto y en tendencias como el jungle, el rock sicodélico y el pop electrónico. Su aproximación a los sonidos reviste una actitud casi cinematográfica (grabó en la banda sonora de Gremlins junto a Peter Gabriel) y ha manifestado su deseo de trabajar algún día con realizadores como Quentin Tarantino y Tim Burton.

La música para Adrian Belew es una equilibrada proporción de esfuerzo y diversión, disciplina y ese algo que se llama “hacer las cosas por amor al arte”, pues su vocación tiende a conducirlo por derroteros nada remunerables. Le gusta forzar situaciones hasta alcanzar cierto límite, tras lo cual cambia de dirección: la música lo guía, y rara vez se extravía en atajos sin salida. Mantiene una extraña relación con la tecnología, usándola con profusión, pero apartándose de ella a cada rato. Del proceso creativo le interesa la inmediatez. No se estanca en un método, y su recurso central es probar todo lo que pasa por su cabeza. Vive y respira por y para la música. Como solista, en King Crimson, o en sus constantes colaboraciones paralelas, Belew hace lo que se espera de un creador comprometido: poner lo mejor de su credo y su talento, cual antídoto de supervivencia en tiempos inciertos para las músicas populares.


Los discos:



The Acoustic (1995)

15 agosto 2006

Blood, Sweat & Tears



Una banda neoyorquina que causó sensación a finales de los 60 por su adecuada mixtura entre rock, jazz y música clásica.
Esta fusión deparaba un admirable sonido en el cual cabían trazos de soul, psicodelia y blues, dentro de unas composiciones brillantes, que con el tiempo permanecerían presas de esta naturaleza, convirtiendose en un ejercicio aletargado de onanismo instrumental que terminó por hacer sucumbir el proyecto.
Este proyecto venía derivado de la mente de un hombre, el cantante y teclista Al Kooper, ex componente de The Blues Project, grupo en el cual también se encontraba el guitarrista Steve Katz.
Ambos querían desarrollar un grupo en el que confluyera el rock con el jazz. Para ello contaron con el advenimiento del bajista, antiguo miembro de Buffalo Springfield, Jim Fielder, el batería Bobby Colomby y una sección de viento, segmento de peso para el sonido del nuevo grupo.
Estaba compuesta en principio por el saxofonista Fred Lipsius, el trombonista Dick Halligan y los trompetistas Jerry Weiss y Randy Brecker.
Después de darse a conocer por la Gran Manzana con sus conciertos en diferentes clubes, lograron llamar la atención del sello Columbia, para el que grabaron su primer Lp, "Child is father to the man" (1968), un magistral y elegante album producido por John Simon, quien también colaboraba instrumentalmente en su elaboración.
En principio y a pesar de la gran calidad del mismo, el disco no fue un éxito masivo de ventas, hecho que provocó las primeras disensiones en el seno de la formación.


El segundo Lp (de 1969)fue otro gran disco, en el cual, además de presentar sus temas propios, versionaban a gente tan dispar como el compositor clásico Erik Satie, la cantautora Laura Nyro o el grupo psicodélico británico Traffic.
Con este album consiguieron un enorme triunfo comercial, tanto en las listas de sencillos (con "Spinning Wheel", "You Made Me So Very Happy", and "And When I Die") como en las de Lps, llegando al número 1, consiguiendo el Premio Grammy al mejor disco del año 1969 y a la mejor canción del año por "Spinning Wheel".


Es interesante descubrir este sonido de fines de los 60's, que para mi sería una gran sorpresa ya que acá en Chile se conoció creo sólo su hit Spinning Wheel, y realmente tienen un sonido muy actual, pensemos que es el mismo año donde nacía Yes a la discografía, o Beatles en sus últimos trabajos...
Tal vez alguien diría que es música progresiva, yo lo posteo acá por sus antecedentes más cercanos a la fusión del Jazz y por considerar que es una banda que al no ser tan popular debe ser digna de ocupar un espacio en la discografía de quien sabe apreciar la buena música.


Y este segundo disco es el que les aporto a continuación titulado simplemente Blood Sweat & Tears





@320 kbps

tracks:

01 . Variations on a Theme by Erik Satie (1st and 2nd Movements)
02 . Smiling Phases
03 . Sometimes in Winter
04 . More and More
05 . And When I Die
06 . God Bless the Child
07 . Spinning Wheel
08 . You've Made Me So Very Happy
09 . Blues, Pt. II
10 . Variations on a Theme by Erik Satie (1st Movement)

ojo el 9 y 10 van juntos.

Part1

Part2

12 agosto 2006

David Gilmour



David Gilmour, investido con la Caballero del Imperio Británico en noviembre de 2003 (nacido el 6 de Marzo de 1946) guitarrista y vocalista de la Banda inglesa Pink Floyd, ha editado también tres álbums de estudio como solista.


Su primer album es lanzado en la primavera de 1978. Un disco que mezcla lo instrumental con las líricas, de extraño "resorte" que creo no fué muy "usado" por Gilmour, quien prefirió evolucionar con Floyd dado las situaciones que se avecinaban.


Su segundo álbum es editado en 1984, al año siguiente Waters deja Pink Floyd, Gilmour asume el control y creación del "A Momentary Lapse of Reason".
"About Face", este segundo disco, suena mas accesible que su predecesor, el álbum homónimo de 1978. En su segunda producción solista, Gilmour contó con un verdadero seleccionado de músicos invitados:
Jeff Porcaro (de Toto, en bateria), Pino Palladino (bajo), John Lord (Purple, en teclados), Steve Winwood y Anne Dudley (sintetizador), al márgen de contar con el gran Pete Townshend (The Who), el cual compuso dos temas con Dave.
Las canciones incluidas en "About Face"nos muestran una sensibilidad pop raramente vista en Pink Floyd. Sin embargo, el álbum es bastante bueno y nos trae a un Gilmour inspirado y muy preciso.


En el 2002 Gilmour realiza una serie de conciertos acústicos en Londres y Paris, apoyado por una pequeña banda más coro, documentado en lo que se conoce como "David Gilmour in Concert". Mientras tanto sigue tocando con los P. Floyd, se da tiempo para hacer trabajos como músico de estudio y produciendo discos a la vez y tanto como ingeniero de sonido de variados artistas como Roy Harper, Kate Bush, Robert Wyatt, Paul McCartney, Ringo Starr, Sam Brown, The Who, Supertramp y otros más.
Sin ser un guitarrista de digitación rápida o "virtuoso" del instrumento, éste ha sabido ganarse un lugar en el salón de los famosos (Rock and Roll Hall of Fame) de este instrumento reconociéndosele su seguridad en el momento de "solear", y sus meliodosas intervenciones, además de la innovación en el uso de los efectos para guitarras.

Mientras digiero su último trabajo, copio algo de "Manticornio" para en un tiempo más adelante editar mis comentarios.

"On an Island" es el tercer álbum de David GILMOUR, quien no había grabado como solista en 22 años, desde "About Face" (1984). También es el primer material original que él graba desde "The Division Bell" de PINK FLOYD (1994). Sin duda, GILMOUR es un artista que ya está más allá del bien y del mal, y se toma las cosas con calma y sin apurarse. "On an Island" es una colección de canciones que han ido destilándose poco a poco. El mismo GILMOUR declaró en alguna parte que “este es mi mejor trabajo y el más personal. He trabajado junto a músicos que son mis amigos y he conseguido un buen ambiente. Estas sesiones de grabación han resultado ser una experiencia positiva para todos”. Él también revela que este disco es una visión personal de varios estilos – folk, jazz, sinfónico y rock – pero todo unificado por su inimitable estilo en la guitarra y su inconfundible voz. Esta afirmación es totalmente cierta, aunque hay menos de rock, y de rock sinfónico, que de jazz y folk.




David Gilmour – 1978






1. Mihalis (5:46)
2. There's No Way Out Of Here (5:08)
3. Cry From The Street (5:13)
4. So Far Away (6:05)
5. Short And Sweet (5:30)
6. Raise My Rent (5:33)
7. No Way (5:32)
8. Deafinitely (4:37)
9. I Can't Breathe Anymore (3:05)

Link


About Face – 1984



1. Until We Sleep (5:15)
2. Murder (4:59)
3. Love On The Air (4:17)
4. Blue Light (4:34)
5. Out Of The Blue (3:34)
6. All Lovers Are Deranged (3:13)
7. You Know I'm Right (5:03)
8. Cruise (4:39)
9. Let's Get Metaphysical (4:08)
10. Near The End (5:36)

Link



David Gilmour - In Concert





Meltdown Cconcert

01. Shine On You Crazy Diamond, Parts 1-5
02. Terrapin
03. Fat Old Sun
04. Coming Back To Life
05. High Hopes
06. Je Crois Entendre Encore
07. Smile
08. Wish You Were Here
09. Comfortably Numb
10. Dimming Of The Day
11. Shine On You Crazy Diamond, Parts 6-8
12. A Great Day For Freedom
13. Hushabye Mountain

Royal Festival Hall Concert 2002

14. Dominoes
15. Breakthrough
16. Comfortably Numb with Bob Geldof

Links under construction



On An Island




01. Castellorizon
02. On An Island
03. The Blue
04. Take a Breath
05. Red Sky at Night
06. This Heaven
07. Then I Close My Eyes
08. Smile
09. A Pocketful of Stones
10. Where We Start

ALBUM CREDITS

Castellorizon (Gilmour)
David – guitar
On An Island (Gilmour/GilmourSamson)
David – vocals, guitars, electric piano, percussion
David Crosby – vocals
Graham Nash – vocals
Richard Wright – Hammond organ
Rado Klose – guitar
Guy Pratt – bass
Andy Newmark – drums

The Blue (Gilmour/Samson)
David – vocals, guitars, bass, percussion, piano
Richard Wright – vocals
Andy Newmark – drums
Jools Holland – piano
Chris Stainton – Hammond organ
Rado Klose – guitar
Polly Samson – piano

Take A Breath (Gilmour/Samson)
David – vocals, guitars
Guy Pratt – bass
Ged Lynch – drums
Phil Manzanera – keyboard
Leszek Mozdzer – piano
Caroline Dale – cello

Red Sky At Night (Gilmour)
David – guitars, saxophone
Caroline Dale – cello
Chris Laurence – double bass
Ilan Eshkeri – programming

This Heaven (Gilmour/GilmourSamson)
David – guitars, vocals, bass
Georgie Fame – Hammond organ
Phil Manzanera – keyboards
Andy Newmark – drums
Drum samples courtesy of Adam Topol and Jack Johnson

Then I Close My Eyes (Gilmour)
David – guitars, bass harmonica, cumbus
BJ Cole – Weissenborn guitar
Phil Manzanera – piano
Robert Wyatt – cornet, voice, percussion
Andy Newmark – percussion
Caroline Dale – cello
Alasdair Malloy – glass harmonica

Smile (Gilmour/Samson)
David – guitars, vocals, percussion, Hammond organ, bass
Willie Wilson – drums
Polly Samson – vocals

A Pocketful Of Stones (Gilmour/Samson)
David – guitars, vocals, Hammond organ, piano, bass, percussion
Leszek Mozdzer – piano
Lucy Wakeford – harp
Alasdair Malloy – glass harmonica
Chris Laurence – double bass
Chris Thomas – keyboard
Ilan Eshkeri – programming

Where We Start (Gilmour)
David – guitars, vocals, bass, percussion, Hammond organ
Andy Newmark – drums

Orchestral arrangements by Zbigniew Preisner.
Conducted by Robert Ziegler.
Orchestra recorded at Abbey Road Studios by Simon Rhodes.
Orchestral Leader: David Juritz.
Strings contracted by Hilary Skewes, Buick Production Ltd.

Produced by David Gilmour, Phil Manzanera and Chris Thomas.

Recorded by Andy Jackson and David Gilmour.
Assisted by Damon Iddins, Devin Workman and Jamie Johnson.
Technical support by Phil Taylor.

Recorded at Astoria, Abbey Road, British Grove, Gallery Studio,
and at home.

Dos links para escoger:

Link1

Link2